Algoritmanın gürültüyü, hızı ve anlık etkiyi ödüllendirme eğiliminde olduğu çağdaş eğlence dünyasının geniş ve genellikle kakofonik arzında, Bin Babanın Oğlu (orijinal adıyla O Filho de Mil Homens) gibi bir eserin ortaya çıkışı, bir prömiyerden çok gerekli bir duraklama, bir maratonun ortasında derin bir nefes alma hissi veriyor.
Karşımızdaki basit bir film değil; büyük bütçeli Latin Amerika sinemasında sevgi dilbilgisini yeniden tanımlamayı amaçlayan kültürel bir eser.
Bizi bir araya getiren önerme aldatıcı bir basitliğe sahip: Yalnız bir balıkçı, biyolojik olmayan bir babalık yoluyla varoluşundaki boşluğu doldurmaya çalışırken, bu süreçte ailenin geleneksel tanımlarına meydan okuyan bir ilişkiler ağı örüyor. Ancak, bu geleneksel fabl yüzeyinin altında, bir cerrah titizliği ve bir şair duyarlılığıyla incelenmeyi hak eden duygusal ve teknik bir karmaşıklık yatıyor.
Daniel Rezende’nin yönettiği ve Rodrigo Santoro’nun muhteşem bir performans sergilediği bu Netflix yapımı, yalnızca çağdaş Portekiz edebiyatının en sevilen romanlarından birini uyarlamakla kalmıyor, aynı zamanda yalnızlık, kapsayıcılık ve insanın başkası aracılığıyla kendini yeniden icat etme kapasitesi üzerine görsel bir inceleme sunuyor.
Edebi Kökenler: Ruhu Tercüme Etmenin Zorluğu
Valter Hugo Mãe’nin Şiirsel Nesri
Yaratıcı ekibin karşılaştığı zorluğun boyutunu anlamak için önce kaynağa, yani Valter Hugo Mãe’nin aynı adlı romanına dalmalıyız. Mãe, alışılageldik bir yazar değil; o, kariyeri boyunca Portekizceyi akademik katılıklarından arındırıp ona neredeyse çocuksu, ilkel bir plastisite kazandırmayı başarmış bir dil zanaatkârı. Onun kitapları sadece okunmaz; deneyimlenir.
O Filho de Mil Homens romanı, lirik alanda işleyen bir metin. Mãe’nin anlatımı, cümlenin duygusal ritmini ön planda tutmak için genellikle standart noktalama kurallarını hiçe sayan, düşünce gibi akan bir sözdizimi ile karakterize olur. Bunu, doğası gereği somutluğa ve görüntünün harfiliğine eğilimli olan sinemaya uyarlamak, imkânsıza yakın bir görev. Bir metafor nasıl filme alınır? Yazarın dilbilgisini bükerek inşa ettiği bir duygunun tanımı, ışık ve gölgeye nasıl çevrilir?
Başlığın kendisi, Bin Babanın Oğlu, derin bir sosyolojik ve antropolojik tez içerir. Bu, biyolojik bir rastlantısallık değil, yetiştirme ve kimliğe dair kabilesel ve kolektif bir anlayıştır. Bir çocuğun tam anlamıyla insan olabilmesi için tek bir baba tarafından değil, bütün bir topluluğun deneyimlerinin, iyiliklerinin ve derslerinin toplamı tarafından —metaforik olarak “bin baba”— şekillendirilmesi, bakılması ve sevilmesi gerektiği fikri, Michel Maffesoli’nin postmodernitede duygulanımlar üzerine teorileriyle rezonansa girer. Bu teoriler, kimliklerimizin seçtiğimiz “duygusal kabileler” ile sürtüşme ve birliktelik içinde oluştuğunu öne sürer.
Yaratıcının Onayı ve Brezilya “Sotaque”si
Film uyarlamalarının, orijinal metnin yazarı ile sinemacılar arasında sürtüşmelere yol açması sık rastlanan bir durumdur. Yazar genellikle eserinin eksiltildiğini, basitleştirildiğini veya ihanete uğradığını hisseder. Ancak bu film, mutlu bir istisna.
Valter Hugo Mãe, projeyi sadece onaylamakla kalmadı, aynı zamanda onun en coşkulu savunucusu haline geldi. Filmin son kurgusuna verdiği tepki içgüdüseldi: “Hayal edebileceğimden çok daha fazlası,” diyerek, filmin tarihte uyarlamanın kitaptan daha iyi olduğu o nadir vakalardan biri olabileceğinden şakacı bir alçakgönüllülükle korktuğunu bile dile getirdi.
Bu simbiyoz, özellikle coğrafi değişimi göz önünde bulundurduğumuzda hayati önem taşıyor. Mãe, hikayesinin Brezilya “sotaque”si (şivesi) ile anlatılmasından büyük mutluluk duydu ve Brezilya’nın sıcaklığının ve müzikalitesinin anlatısına yeni bir boyut kattığını fark etti.
Mãe, filmi “sinemadaki kitap” olarak tanımlayarak, Daniel Rezende’nin hikâyeyi noktası virgülüne kopyalamaya çalışmadığını, bunun yerine metnin ruhunu dönüştürdüğünü öne sürdü. Buradaki sadakat harfi harfine değil, atmosferik bir sadakat. Yazar, bu yapımı “on yılın filmi” olarak nitelendirecek kadar ileri gitti; kelimeleri bu kadar dikkatli kullanan birinden gelen bu mübalağa, derin ve gerçek bir duygusal yankının işareti.
Yönetmenin Vizyonu: Daniel Rezende ve Empati Anlatısı
Frenetik Kurgudan Tefekküre
Daniel Rezende, Brezilya sinemasının yakın tarihinde güçlü bir şekilde yankılanan bir isim, ancak kariyeri stilistik evrimin büyüleyici bir incelemesi. Dünya çapında Tanrıkent filmindeki kurgu çalışmasıyla tanınan —ki bu çalışma ona Oscar adaylığı ve BAFTA ödülü kazandırdı ve 2000’lerin Latin Amerika aksiyon sinemasının estetiğini senkoplu ve frenetik ritmiyle tanımladı— Rezende, yönetmen olarak şaşırtıcı bir çok yönlülük sergiledi.
Bingo: Sabahların Kralı ve Monica’nın Çetesi uyarlamaları gibi önceki yönetmenlik çalışmalarında Rezende, marjinal karakterlere ve Brezilya pop kültürüne olan ilgisini zaten göstermişti. Ancak, Bin Babanın Oğlu radikal bir içe dönüşe, bir dönüm noktasına işaret ediyor. Burada, ilk dönem çalışmalarının baş döndürücü kurgu hızı, bilinçli bir “durgunluk” olarak adlandırılabilecek bir yaklaşıma yerini bırakıyor.
Aynı zamanda Duda Casoni ile birlikte senarist rolünü de üstlenen Rezende, nefes alan bir anlatı inşa etmiş. Bu hikâyeyi yönetme kararı, “ailenin genişlemesi” kavramını keşfetme ihtiyacından doğmuş gibi görünüyor. Kutuplaşmış bir dünyada yönetmen, bir yakınlaşma hikayesine yatırım yapıyor. Onun vizyonu mesafeli bir gözlemcininki değil, kamera aracılığıyla Valter Hugo Mãe’nin karakterlerine yaklaştığı o şefkatli ve radikal bakışı çoğaltmaya çalışan birinin vizyonu. Rezende, Mãe’yi uyarlamak için özel efektlere değil, daha eski ve karmaşık bir “teknolojiye” ihtiyaç duyulduğunu anlıyor: görsel empatiye.
Gündelik Hayatın Büyülü Gerçekçiliği
Rezende’nin filme kattığı ton, toprağa bağlı, incelikli bir büyülü gerçekçilik olarak tanımlanabilir. Bu, uçan halıların büyülü gerçekçiliği değil, duyguların yoğunluğunun gerçeklik algısını dönüştürdüğü bir gerçekçilik. Sanat yönetimi ve sinematografi, tanınabilir ancak hafifçe yüceltilmiş, sanki bir anının ya da arzunun filtresinden görüyormuşuz gibi bir dünya yaratmak için birlikte çalışıyor.
Yönetmen, kahramanın evini karakterin psikolojisine dayanarak görsel olarak icat ettiğini açıkladı: “sınırlayıcı inançları” veya sosyal zırhları olmayan bir adam olduğu için evinin de bunlara sahip olamayacağına karar vermiş. Buradan yola çıkarak, evi kapısız ve penceresiz inşa etme kararı almış, doğanın gücünü filme “yansıtmasına” izin vermiş. Gerçek mekânlarda çekim yaparak ve unsurların (gerçek rüzgâr, değişen ışık, denizin sesi) sahnelemenin bir kısmını belirlemesine izin vererek, Rezende organik bir gerçeklik kazanmak uğruna stüdyonun mutlak kontrolünden feragat etmiş.
Ruhların Balıkçısı: Crisóstomo rolünde Rodrigo Santoro
Kahramanın Yapısökümü
Rodrigo Santoro, tartışmasız Brezilya’nın en uluslararası yüzlerinden biri. Kariyeri, auteur sineması ile Hollywood gişe rekortmenleri (300 Spartalı, Westworld, Lost) arasında gidip geldi. Sektör onu sık sık heybetli fiziği veya güç ya da çatışma rollerindeki dramatik yoğunluğu için kullandı.
Bin Babanın Oğlu filminde Santoro, tersine bir yolculuğa çıkıyor: mutlak kırılganlığa ve kendini tutmaya doğru. Crisóstomo, klasik anlamda bir kahraman değil. İmparatorluklar fethetmiyor veya ordularla savaşmıyor. Onun savaşı içsel ve sessiz. Kırk yaşına göğsünde bir boşlukla gelmiş bir balıkçı.
Santoro, karakterini “engelleri olmayan” biri olarak tanımlıyor; modern toplumun “sınırlayıcı inançları” tarafından koşullandırılmamış, bu da onun filtresiz sevmesine olanak tanıyor. Bu tanım, performansı anlamak için anahtar niteliğinde. Crisóstomo, neredeyse Adem’e özgü bir saflık halinde yaşıyor; yalnızlığı onu acılaştırmamış, aksine onu çekincesiz sevmeye hazırlamış.
Bu role hazırlanmak için Santoro, diğer rollerde sıkça talep edilen “satış” ve baştan çıkarma tekniklerini unutmak zorunda kaldı (kendisi bu süreci, satış tekniklerini incelediği Project Power filmine hazırlanmasıyla karşılaştırdı ve Crisóstomo’nun acımasız dürüstlüğüyle arasındaki devasa farkı belirtti). Burada aktör, eksiltme üzerine çalışıyor. Jestleri minimal, sesi rüzgârla yarışan bir fısıltı. Bu, deklamasyondan çok varlığa dayanan bir performans.
Yeni Bir Erillik
Crisóstomo aracılığıyla film ve aktör, “yeni bir eril ideal” öneriyor. Erilliğin genellikle sertlik, maddi yeterlilik ve duygusal kapalılıkla ilişkilendirildiği bir kültürel bağlamda, Crisóstomo devrimci bir alternatifi temsil ediyor: önemseyen, bakım veren erkek.
Baba olma arzusu, bir soyadını veya soyu sürdürme ihtiyacından değil, verme ihtiyacından doğuyor. Camilo ile kurduğu ilişki dikey bir otorite ilişkisi değil, yatay bir yoldaşlık ilişkisi. Santoro, bir emir değil, bir sığınak olan babalığı somutlaştırıyor.
Bu temsil, çağdaş Brezilya’da ve dolayısıyla dünyada politik olarak güçlü bir anlama sahip. Gücü şefkatinden kaynaklanan bir adamı —bir balıkçıyı, bir işçiyi— görmek, geleneksel toplumsal cinsiyet arketiplerine bir meydan okumadır. Santoro, sanatsal olgunluğunun zirvesinde, bu olasılığa şekil vermek için bedenini ve ruhunu ödünç veriyor.
Yalnızlar Galaksisi: Oyuncu Kadrosu ve Karakterler
Camilo: Araçatuba’dan Gelen Keşif
Filmin merkezi dinamiği, genç Miguel Martines’in canlandırdığı Camilo’nun ortaya çıkışıyla etkinleşiyor. Camilo, yetim çocuk, eksik parça. Anlatıda o sadece bir hayırseverlik nesnesi değil; bir değişim ajanı. Bir oğul olmayı kabul ederek, Camilo, Crisóstomo’yu bir baba olarak onaylıyor.
Araçatuba’lı 12 yaşındaki Martines için bu, sekiz yaşından beri peşinde koştuğu bir rüya olan ilk uzun metrajlı filmi. Seçimi, bir casting zaferi: sektörel tiklerle lekelenmemiş bir özgünlük getiriyor. Rezende’nin yönetimi altında, kolay duygusallıktan kaçınan bir performans sergiliyor. Bakışlarında bir ciddiyet, geçmiş acıların bilinci var; bu da onun Crisóstomo’nun hayatına entegrasyonunu inandırıcı ve dokunaklı bir iyileşme süreci haline getiriyor. Birlikte, bu hikâyenin diğer serbest elektronlarının yörüngesinde döneceği atom çekirdeğini oluşturuyorlar.
Isaura: Konuşan Sessizlik
Rebeca Jamir, olay örgüsünün duygusal geometrisi için temel bir karakter olan Isaura’ya hayat veriyor. Isaura, kendi acısından kaçan bir kadın. Eğer Crisóstomo bekleyişse, Isaura kaçıştır. Onun balıkçının ve çocuğun hayatına girişi, yalnızca eril olabilecek bir dünyaya kadınsı karmaşıklığı getiriyor.
Aktris, hazırlığının “sessizlikle çalışmaya” dayandığını, söylediklerinden çok sustuklarıyla iletişim kuran bir karakter inşa ettiğini belirtti. Film, Isaura’ya Santoro’nun Mãe’nin yazarlığına atfettiği bir özellik olan “radikal bir şefkatle” yaklaşıyor. Isaura, yaraları veya geçmişi yüzünden yargılanmıyor; kabul ediliyor. Jamir, korkudan güvene geçiş yapan bir karakter inşa ederek, biyolojik olmayan ailenin travmaların iyileştirildiği bir alan olabileceğini gösteriyor.
Antonino: Mutlak Teslimiyet
Johnny Massaro, filmin etik önerisinin belki de en cesur ve sembolik karakteri olan Antonino’yu canlandırıyor. Antonino, “anlaşılmamış” bir genç olarak tanımlanıyor; bu, Mãe’nin eserinde ve Massaro’nun yorumunda çeşitliliğe, queer duyarlılığa, sahil kasabasının katı normlarına meydan okuyan her şeye işaret eden anlatısal bir örtmece.
Massaro’nun projeyle bağı o kadar güçlüydü ki, kendisi aktif olarak projede yer almak istedi. Aktör, “Bu filmde gerekirse kahve bile taşırdım, sadece orada olmak istedim,” diyerek Mãe’nin eserine duyduğu derin hayranlığı itiraf etti. Antonino, kimliğinden ödün vermeden kabul görmek istiyor. Onun süreci, baskıdan kurtulmayı öğrenmekten ibaret. Crisóstomo’nun ailesine entegrasyonu, filmin felsefesinin nihai testi: kapsayıcılık hoşgörü değil, bir kutlamadır. Massaro, bu uyumsuzlar ailesinin tablosunu tamamlayan parlak bir kırılganlık katıyor.
Yunan Korosu: Efsanevi Bir Ses
Hiçbir büyük hikâye sadece kahramanları üzerinde ayakta duramaz. Bin Babanın Oğlu, fablı somut bir gerçekliğe demirleyen lüks bir yardımcı oyuncu kadrosuna sahip. Brezilya’nın en saygın oyun yazarlarından ve aktrislerinden biri olan Grace Passô gibi isimler, filme özel bir ağırlık katıyor.
Ayrıca film, efsanevi Zezé Motta’nın özel katılımıyla da öne çıkıyor. Motta, anlatıcı olarak eşsiz sesini ödünç vererek anlatının tonunu atalardan kalma bir masal kategorisine yükseltiyor. Oyuncu kadrosu Antonio Haddad, Carlos Francisco, Inez Viana, Juliana Caldas, Lívia Silva, Marcello Escorel ve Tuna Dwek gibi yeteneklerle tamamlanarak kahramanların etrafında yoğun ve canlı bir sosyal doku yaratılıyor.
Mimari ve Estetik: Kapısız Ev ve Okyanus
Prodüksiyon Tasarımı: Yaşanabilir Metafor
Filmin yaratım sürecine dair en büyüleyici açığa çıkışlardan biri, Crisóstomo’nun evinin mekânsal tasarımından geliyor. Daniel Rezende, kavramsal bir deha anında, karakterin duygusal engellerinin yokluğunu yansıtmak için kahramanın evini kapısız ve penceresiz olarak hayal etti ve inşa etti.
Sanat yönetmeni Taísa Malouf tarafından yürütülen bu tasarım kararı, estetik bir kapris değil; filmin ahşap ve taştan yapılmış felsefi kalbi. Kapısız ev, Crisóstomo’nun dünyaya tam açıklığını simgeliyor. Korkacak hiçbir şeyi ve hırsla sahip olacağı hiçbir şeyi olmadığı için engellere ihtiyacı yok. Doğa ve insanlar özgürce girip çıkabilir.
Bu mimari yapı, belirli bir sahneleme ve fotoğrafçılığı zorunlu kılıyor: net bir şekilde ayrılmış “içerisi” ve “dışarısı” yok; ufuk, evin mahremiyetinde bile her zaman mevcut. Prodüksiyondan bir anekdot, melankolik bir şiir katmanı ve tesadüfi bir büyülü gerçekçilik ekliyor: Ev, çekimler için gerçekten kumsala inşa edildi ve çekimlerin bittiği günün ertesi günü gelgit tarafından yıkıldı; Rezende’yi denizin önünde ağlarken bıraktı. Varlığı, okyanus tarafından silinen bir kum mandalası gibi, sadece bu hikâyeyi anlatma amacına hizmet ederek geçici oldu.
Sinematografi: Tuzlu Işıkla Resim Yapmak
Görüntü yönetmenliğini, yüksek görsel kaliteli yapımlarda sıkça yer alan Azul Serra üstleniyor. Serra ve Rezende, gerçek dokudaki güzelliği aramak için yapay gösterişten kaçan bir estetiği tercih etti.
Film, coğrafi olarak farklı ancak ruhsal olarak tamamlayıcı iki mekânda çekildi: Rio de Janeiro kıyısındaki Búzios (özellikle José Gonçalves gibi plajlarda) ve Bahia’nın kalbindeki Chapada Diamantina. Búzios, okyanusun yatay enginliğini, sert ve tuzlu ışığı, sonsuz açıklık hissini sunuyor. Chapada Diamantina ise dikeyliği, kayaları, mağarayı, iç kesimlerin gizemini katıyor. Bu görsel ikilik, karakterlerin içsel yolculuğunu yansıtıyor: gerçekliğe (toprak) demirlemiş durumdalar ama olasılığı (deniz) hayal ediyorlar.
Serra’nın görüntü yönetmenliği, filmin atmosferi için merkezi olan “durgunluğu” yakalayan “görkemli” ve “kusursuz” olarak tanımlandı. Bu, sinirli bir kamera değil; balıkçının sabrını taklit ederek tefekkür eden, bekleyen bir kamera.
Ses Manzarası: Besteci Olarak Rüzgâr
Görsel yaklaşımla uyumlu olarak, filmin ses tasarımı da çok önemli bir anlatı rolü oynuyor. Rezende, doğal unsurların sadece arka plan değil, aynı zamanda bir ses olduğunu vurguladı. Açık eve vuran rüzgârın sesi, Crisóstomo’nun geceleri attığı yalnızlık veya sevinç çığlıklarına eşlik eden denizin uğultusu; tüm bunlar, orijinal müzikten önce gelen ve onu tamamlayan organik bir partisyon oluşturuyor.
Fábio Góes tarafından bestelenen film müziği, duyguyu dikte etmek için değil, altını çizmek için müdahale ediyor. Asıl başrol oyuncusu sessizlik ve dünyanın sesleri. Sesin gereksiz yapaylıklardan “temizlenmesi” kararı, izleyicinin duyusal bir meditasyon durumuna girmesine, filmin sıcaklığını ve dokusunu en az konusu kadar hissetmesine olanak tanıyor.
Prodüksiyon Ekosistemi: Netflix’in Prestije Oynaması
Biônica Filmes ve Barry Company: Büyünün Arkasındaki Güç
Kameranın arkasında, Bin Babanın Oğlu, Brezilya prodüksiyonunun iki gücü olan Biônica Filmes ve Barry Company arasındaki işbirliğinin bir sonucu. Bianca Villar, Fernando Fraiha ve Karen Castanho gibi yapımcıların liderliğindeki Biônica Filmes, ticari ve eleştirel başarılarla dolu bir geçmişe sahip (buna Monica’nın Çetesi serileri de dahil).
Barry Company ise, (Emmy adayı) Impuros dizisi ve Disney/Star+ için hazırlanan Love of My Life gibi karmaşık ve yüksek kaliteli anlatıların üstesinden gelme becerisini kanıtladı. Bu iki yapım şirketinin Netflix şemsiyesi altında birleşmesi net bir stratejiye işaret ediyor: şüphesiz yerel olan ancak küresel olarak ihraç edilebilir içerik arayışı. Mesele Brezilya’da “Hollywood tarzı” bir film yapmak değil, Hollywood prodüksiyon değerleriyle derinlemesine Brezilyalı bir film yapmak. Deneyimli yönetici yapımcıların varlığı, Rezende’nin sanatsal vizyonunun ve uzak mekanlardaki çekimlerin lojistik karmaşıklığının, bu büyüklükteki bir prodüksiyon için gereken titizlikle yönetilmesini sağladı.
Yayın Stratejisi: Sinemadan Dijital Platforma
Netflix, bu filmin hem sinematografik hem de dijital yayın potansiyelini görerek hibrit bir yayın stratejisi tasarladı. Film, küresel platforma gelmeden önce seçkin sinemalarda sınırlı bir gösterim yaptı. Ayrıca, 49. São Paulo Uluslararası Film Festivali (Mostra) gibi prestijli festivallerdeki varlığı, “sanat filmi” statüsünün altını çiziyor.
Bu ikili yaşam (büyük perde ve küçük ekran), sinema salonunun sürükleyici deneyiminden (görüntü yönetmenliği ve sesi sayesinde) büyük ölçüde yararlanan, ancak samimi ve insani temasıyla evlerde kitlesel olarak yankı bulma potansiyeline sahip bir film için hayati önem taşıyor. São Paulo Mostra’daki prömiyer, aynı zamanda eleştirmenlerin ve izleyicilerin nabzını ölçmek için bir platform görevi gördü ve filmi sadece “içerik” olarak değil, kültürel bir etkinlik olarak konumlandıran bir kulaktan kulağa yayılma yarattı.
Buna ek olarak, tanıtım kampanyası, filmi yüksek profilli edebi etkinliklerle ilişkilendirerek akıllıca davrandı. Ekibin (Mãe, Rezende, Santoro, Massaro, Jamir) 2025’teki FLIP’te (Paraty Uluslararası Edebiyat Festivali) “Esquina piauí + Netflix” evindeki varlığı, kitabın sadık okurları ile yeni sinema izleyicisi arasında doğrudan bir köprü kurdu. Bu etkinlikte uyarlama süreci tartışıldı ve film Brezilya’nın kültürel aydınları nezdinde onaylanmış oldu.
Derin Temalar: İnsanlık Durumu Üzerine Bir İnceleme
Verimli Bir Alan Olarak Yalnızlık
Bin Babanın Oğlu, yalnızlığı tedavi edilmesi gereken bir patoloji olarak tasvir etmekten uzak, onu bir mevcudiyet, bir hazır bulunuşluluk durumu olarak sunuyor. Crisóstomo, Isaura ve Antonino yalnızlar, evet, ama onların yalnızlığı geniş bir alan sunuyor. Başkalarının girmesine izin veren şey de bu boşluk. Film, yalnızca kendi yalnızlığını tanıyanların başkalarına gerçekten eşlik edebileceğini öne sürüyor. Onlar çaresizlikten değil, karşılıklı tanımadan bir araya geliyorlar. Bu, birliğe dönüşen paylaşılan bir yalnızlık.
Politik ve Duygusal bir İnşa Olarak Aile
Aile kavramının genellikle ideolojik bir savaş alanı olduğu günümüzde, film barışçıl ama radikal bir vizyon sunuyor. Aile burada biyolojik bir veri değil, günlük bir inşa. “Hepimiz bin babanın oğluyuz” ifadesi, çocuklar ve duygular üzerindeki mülkiyet fikrini söküp atıyor. Kolektif bir sorumluluk öneriyor.
Bu vizyon, yeni aile yapıları üzerine yapılan çağdaş tartışmalarla rezonansa giriyor. Bekâr bir baba, evlat edinilmiş bir oğul, geçmişi olan bir kadın ve queer bir gençten oluşan bir aileyi göstererek, film çeşitliliği bir propaganda aracına dönüştürmeden normalleştiriyor. Sadece sevginin, onu içeren yapıdan bağımsız olarak işlediğini gösteriyor. Bu, duyguların politikası: Devrim, yabancıların kardeşlere dönüştüğü bir ortamda, mutfak masasında ekmeği paylaşmakla başlar.
İnsanlığa Duyulan Umut
Belki de filmin en yıkıcı mesajı antropolojik iyimserliğidir. Genellikle zulüm ve sinizme hayran olan bir sinema dünyasında, bu eser şefkatli olmaya cesaret ediyor. Valter Hugo Mãe ve Daniel Rezende, insana olan inancı paylaşıyor. Her şeye rağmen iyilik yapabileceğimize inanıyorlar. Film, umutsuzluğa karşı bir panzehir, “hüznün eğitiminin” (FLIP’te tesadüfen tanıtılan bir başka Mãe kitabının başlığı) bilgeliğe ve sevgiye yol açabileceğini hatırlatıyor.
Paralel Bağlam: Valter Hugo Mãe’nin Genişleyen Evreni
Filmin prömiyerini, yazarının yaşadığı kültürel andan ayırmak imkânsız. Filmin lansmanıyla eş zamanlı olarak, Miguel Gonçalves Mendes’in yönettiği ve Valter Hugo Mãe’nin hayatını ve yaratım sürecini araştıran De Lugar Nenhum belgeseli de sunuldu.
Yedi yıl boyunca birçok ülkede çekilen bu belgesel, Bin Babanın Oğlu filminin kurgusuna mükemmel bir karşıt düzlem sunuyor. Film bize Mãe’nin yaratısını gösterirken, belgesel bize yaratıcıyı gösteriyor. Her iki kültürel ürün de birbiriyle diyalog kurarak, yazarın Portekizce konuşulan dünyanın en önemli entelektüel figürlerinden biri olarak konumunu güçlendiriyor. Meraklı izleyici için her iki eseri de tüketmek, yazarın takıntıları üzerine stereoskopik bir bakış sunuyor: bellek, kimlik ve kusurlu bir dünyada durmaksızın güzelliği arayış.
Sisteki Bir Deniz Feneri
Bin Babanın Oğlu bize beklenmedik bir hediye olarak geliyor. Dikkat çekmek için bağıran bir film değil; fısıldayan bir film ve tam da bu yüzden onu duymak için eğilmenizi gerektiriyor.
Bu, sanatsal bir işbirliğinin zaferi: Mãe’nin imkânsız nesri, Rezende’nin empatik vizyonu, Santoro’nun cesur kırılganlığı ve kendini adamış bir kadronun koro yeteneği. Bizi kendi iç evlerimizin kapılarını yıkmaya, ufka bakmaya ve ailemizin düşündüğümüzden çok daha büyük olma olasılığını düşünmeye davet eden bir eser. Bizi, hayatı yetiştirmek, önemsemek ve sürdürmek için gereken o “bin babadan” (ve anneden) biri olmaya davet ediyor.
Distopiler ve kıyamet finalleriyle dolu bir görsel-işitsel manzarada, bu film mümkün ve yerel bir ütopya olarak yükseliyor. Bize cennetin öldükten sonra gidilen bir yer değil, gelgitin kıyımıza vurduğu kazazedeleri kabul ederek yaşarken inşa edilen bir yer olduğunu hatırlatıyor.
Bu duyarlılık ve dinginlik yolculuğuna çıkmaya istekli olanlar için bu, kaçırılmaması gereken bir buluşma. Festivallerdeki ve seçkin salonlardaki gösterimlerinin ardından film, 19 Kasım‘da ekranlarımızı denize açılan pencerelere dönüştürmek üzere küresel olarak erişilebilir olacak. O gün Netflix, sadece bir dijital yayın platformu olmaktan çıkıp, en azından iki saatliğine Crisóstomo’nun kapısız evi olacak.
Ve hepimiz içeri davetliyiz.
