Tokyo Çağdaş Sanat Müzesi (MOT), Sol LeWitt’e adanmış kapsamlı bir sergi düzenleyerek sanatçının sistemlerinin, talimatlarının ve modüler düşüncesinin savaş sonrası sanatta odağı nesneden fikre nasıl kaydırdığını öne çıkaracak. “Open structure” kavramı etrafında kurgulanan sunum, duvar çizimleri (wall drawings), üç boyutlu yapılar, kâğıt üzeri işler ve sanatçı kitaplarını bir araya getiriyor; müze bu gösterimi Japonya’daki bir kamu müzesinde LeWitt’e ilişkin ilk kapsamlı panorama olarak nitelendiriyor. Küratörlüğünü MOT’tan Ai Kusumoto’nun üstlendiği ve Estate of Sol LeWitt ile işbirliği içinde gerçekleştirilen sergi, planlama, kural setleri ve dizisel prosedürleri yapıtların motoru olarak konumlandırıyor. Müzenin okumasına göre LeWitt’in katkısı bir “üslup”tan çok bir protokoldür: yapıt bir fikir, bir plan ya da bir süreçten doğar; gerçekleşme, bu çerçevenin uygulanmasıdır. Bu bakış, sanatçının yaklaşımının hem yazarlığı hem de eserlerin kurumsal “sonrasını” nasıl yeniden tanımladığını açık biçimde görünür kılıyor.
Sergi, LeWitt’in planlamanın icradan önce geldiği ve icrayı yönettiği kavramsal pratik formülasyonunu özellikle vurguluyor. Küratoryal anlatı, ürünün değil planın önceliğinin seçkiyi belirlediğini netleştiriyor; buna, One, Two, Three, Four, Five as a Square başlıklı yapıda olduğu gibi, kübik birimleri birleştirerek dizisel ilerlemenin formu nasıl belirlediğini gösteren modüler çalışmalar da dâhil. Birlikte okunduğunda bu yapıtlar, LeWitt’in atölyesini, başkalarınca da uygulanabilecek prosedürlerin tasarlandığı bir mekân olarak resmediyor; üstelik bu, sanatsal niyetin zedelenmesine yol açmadan gerçekleşiyor. Müze, bu çerçeveyi sanatçının üretim, dolaşım ve yeniden kurulum üzerindeki geniş etkisini anlamanın anahtarı olarak görüyor.
Sunumun odağında, LeWitt’in yaşam boyu sürdürdüğü projelerden duvar çizimleri yer alıyor; bu işler, sanatçının yazılı talimatları ya da şemaları doğrultusunda eğitimli kurulum ekiplerince uygulanıyor. Gösterim sonrasında duvarların çoğu zaman yeniden boyanması, prosedürün önceliğini ve fikrin taşınabilirliğini vurgulayan operasyonel bir tercih. MOT, her bir galerinin özgül koşulları içinde bir kural setinin nasıl çizgilere, yayımlara ve alanlara çevrildiğini göstermek üzere altı örnek sunuyor. Bu formatta yazarlık, bilerek hem özgün kavram ile onu hayata geçiren eller arasında paylaşılıyor hem de kalıcılık, salt fiziksel dayanıklılıktan ziyade “yeniden üretilebilirlik” olarak yeniden düşünülüyor. Duvar çizimleri, işleyen bir sistemi görünür kılarak galeriyi talimatların maddi biçim aldığı bir mekâna dönüştürüyor.
© 2025 The LeWitt Estate / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Paula Cooper Gallery.
Pek çok izleyici LeWitt’i yalın siyah-beyaz şemalar ve iskeletimsi yapılarla ilişkilendirse de sunum, daha karmaşık formların ve doygun rengin devreye girdiği dönemleri de dikkate alıyor. Müze, bu gelişmeleri bir kopuş değil, yöntemin genişlemesi olarak okuyor: basit sistemler ve açık talimatlar korunurken kural temelli üretimin ifade alanı genişliyor. Ortaya çıkan külliyat, farklı görsel kayıtları —sade çizgi ilerlemelerinden yoğun kromatik alanlara— araştırırken dahi belirgin biçimde usule dayalı bir mantığa demirli kalıyor. Tüm bu değişimler boyunca talimat, dizisellik ve modüler akıl yürütmeye bağlılık sabit kalıyor.
“Open structure” fikri, yüzeylerin çıkarılıp taşıyıcı kenarların görünür bırakıldığı kübik parçalarda en belirgin hâlini alıyor. İskelenin açığa çıkarılması, bu işlerin kendi inşasını okunur kılıyor: neyin “birim” sayıldığı, bir dizinin nasıl ilerlediği ve sistemin nerede varyasyona izin verdiği netleşiyor. Yaygın olarak Incomplete Open Cube diye anılan seride belli başlı kenarların yokluğu, dönüşüm hâlindeki bir yapıyı ima ediyor — tamamlanmış bir nesneden çok, formun nasıl üretilebileceğine, yeniden yapılandırılabileceğine ve okunabileceğine dair bir öneri. Müze, bunu mükemmellik ve değişmezlik idealinin sökümü olarak yorumluyor; bu, LeWitt’in durağanlık yerine değişimi davet eden kurallara ilgisiyle uyumlu. Heykeller, mekânda diyagramlar gibi işleyerek izleyiciyi onları doğuran kuralları yeniden kurmaya çağırıyor.
Talimatlar son derece kesin olduğunda bile her duvar çizimi, mekânın koşullarını ve uygulayıcıların yorumunu kayda geçirir. Mekân, yüzey, ölçek ve “el”, sonucu biçimlendirir; bu değişkenlik, bir kusur değil, eserin ayrılmaz bir bileşeni olarak kabul edilir. Müze, bu tutumu LeWitt’in paylaşılabilir fikir anlayışıyla özellikle ilişkilendirir: sanat, başkalarının tanımlı koşullarda sürdürebileceği öneriler toplamıdır. Bu öneri, retorikte kalmaz; her kurulumda yeniden üretilebilen, yeni bağlamlara uyarlanabilen ve her gerçekleşmede tazelenen işleriyle bizzat işlemsel hayatına yazılmıştır. Değişkenlik, tekil nesnenin sabitlenmesinden çok fikirlerin dolaşımını önceleyen bir sanatın yerleşik özelliğidir; bir taviz değildir.
Sergi, LeWitt’in yayıncılık faaliyetini ve fikir temelli sanat için geleneksel pazarların dışında dolaşım kanalları yaratmadaki rolünü de öne çıkarıyor. Kavramların daha serbest dolaşabilmesi için çok sayıda sanatçı kitabı üreten LeWitt, eleştirmen Lucy R. Lippard’ın da aralarında bulunduğu isimlerle birlikte New York’ta Printed Matter’ı ortaklaşa kurdu; kuruluş, sanatçı yayınlarının konvansiyonel kanalların dışında dolaşıma girmesine odaklanıyor. Sunum, bu yayıncılık pratiğini duvar çizimlerini de yöneten aynı felsefeyle yan yana getiriyor: pek çok kişi tarafından devralınabilir, anlaşılabilir ve uygulanabilir prosedürlere bağlılık. Kitaplar ve talimatlar burada paralel taşıyıcılar gibi işler — her ikisi de yeniden üretilebilirlik ve yayılımı eserin anlamının asli bileşenleri sayar.
Daha geniş bir çağdaş pratik bağlamında müze, LeWitt’i yapıtları tekil tefekkür nesneleri olmaktan ziyade düşünce mekânları olarak gören dönüşümün merkezî bir figürü olarak konumlandırıyor. Sanatçının yazıları ve pratiği, talimat temelli ve “önce kavram” yaklaşımındaki sanat için referans noktası işlevi görüyor; kurallar, algoritmalar ve modüler sistemler bu bağlamda kısıt değil, üretken araçlara dönüşüyor. Alışıldık yapıları —ızgaralar, küpler, diziler— yeniden kurgulayan LeWitt, düzenin içinde yaratıcı bir aralık açarak yapısal kurgunun imkânları kapatmak yerine açabileceğini öne sürüyor. Sergi, bu mirasın güncelliğini koruduğunu; süreç, yeniden üretilebilirlik ve kurumsal sorumluluk etrafındaki tartışmaları beslemeye devam ettiğini savunuyor.
Küratoryal yaklaşım, galeriyi bağımsız nesnelerin depolandığı bir yer değil, fikirlerin prosedür yoluyla açıldığı bir ortam olarak okumayı öneriyor. Çizgiler, yaylar ve modüler birimler, bireysel ifadeye ait imzalar olmaktan çok kavramsal etkinliğin izleri olarak sunuluyor. Sunum, basit kuralların nasıl karmaşıklık ürettiğine ve yazarlığın sanatçı, uygulayıcı ekipler ve kurumlar arasında dağılımının tekil yapıt fikrini nasıl yeniden düzenlediğine dikkat kesilmeyi teşvik ediyor. Bu okumada LeWitt’in katkısı, kamusal alanda sanat üretmek ve paylaşmak için bir dizi işletim ilkesidir: açık talimatlar, açık yapılar ve fikirlerin dolaşıma girmesine rıza.
Ziyaretçiler için sergi, Museum of Contemporary Art Tokyo’nun Exhibition Gallery 1F alanında gerçekleşiyor. Genel ziyaret saatleri 10.00–18.00 (bilet satışı kapanıştan 30 dakika önce sona erer); galeriler pazartesi günleri ve müzenin ayrıca duyurduğu bazı günlerde kapalıdır. Giriş ücretleri: Yetişkinler 1.600 yen; üniversite öğrencileri ve 65 yaş üzeri ziyaretçiler 1.100 yen; lise ve ortaokul öğrencileri 640 yen; ilkokul öğrencileri ve daha küçükler için ücretsiz. Bilgi için: +81-3-5245-4111 (santral). Güncellemeler ve erişim ayrıntıları müzenin web sitesinde yer alır. Sergi, Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture tarafından işletilen Tokyo Çağdaş Sanat Müzesi tarafından, Estate of Sol LeWitt’in işbirliğiyle düzenleniyor; küratör: Ai Kusumoto.
Sergi dönemi: 25 Aralık 2025 — 2 Nisan 2026.
