Modern sinemanın görkemli panteonunda, Guillermo del Toro kadar benzersiz ve sevgiyle işlenmiş bir yer edinen çok az isim vardır. O bir sinemacı, bir yazar, bir sanatçı; ama her şeyden öte, o bir simyacıdır. Otuz yılı aşkın bir süredir, kimilerinin “değersiz madde” olarak görebileceği canavarları, hayaletleri, böcekleri ve korku türünün tüm unsurlarını alıp onları anlatısal altına dönüştürerek eşsiz bir sinematik simya icra etmektedir. Eserleri, derin ve sarsılmaz bir inancın kanıtıdır: Canavarlar, “kusurluluğun koruyucu azizleridir” ve groteskin içinde eşsiz ve şiirsel bir güzellik saklıdır.
Kariyeri, düşük bütçeli korku filmlerinden Hollywood’un prestijli yapımlarına uzanan basit bir ilerleme değildir; daha ziyade, bir ömür boyu süren, sinematik bir nadire kabinesi inşa etme projesidir. Her film, bu kabinenin yeni bir çekmecesidir ve peri masallarının tarihin acımasız makineleriyle çarpıştığı, en insani karakterlerin genellikle boynuzları, solungaçları veya saat mekanizması kalpleri olan, titizlikle tasarlanmış bir dünyayı gözler önüne serer. Bu sarsılmaz vizyonu onu sektörün zirvesine taşımış, dilsiz bir kadının bir nehir tanrısına olan aşkını anlatan filmiyle En İyi Yönetmen ve En İyi Film Oscar’ını, faşist İtalya’da yaşayan ahşap bir çocuğu anlatan stop-motion masalıyla da En İyi Animasyon Filmi Oscar’ını kazandırmıştır. Guillermo del Toro’nun yolculuğu, Hollywood’un onayını kazanmak için vizyonunu değiştirmeyen, aksine saf sanatçılığı ve sarsılmaz inancıyla Hollywood’un, onun en başından beri taşıdığı o derin, canavarca vizyonu en sonunda takdir etmesini sağlayan bir yönetmenin hikayesidir.
Gölge ve İnançla Dövülmüş bir Çocukluk
Del Toro’nun tüm sanatsal vizyonunun ham maddesi, 9 Ekim 1964’te doğduğu Meksika’nın Guadalajara kentinin sokaklarından ve evlerinden çıkarılmıştır. Gençliği, derin ve çoğu zaman çelişkili etkilerin bir potasıydı. İnancı hem zengin bir ikonografi kaynağı hem de derin bir dehşet nedeni olan dindar bir Katolik olan büyükannesi tarafından yönetilen katı bir evde büyüdü. Büyükanne, onun fantastiğe ve korkuya duyduğu filizlenen ilgiyi yaratıcı bir kıvılcım olarak değil, ruhsal bir hastalık olarak görüyordu. Canavar ve şeytan çizimlerini onaylamadığı için genç çocuğu iki ayrı şeytan çıkarma ayinine tabi tuttu ve ruhunu arındırmak amacıyla üzerine kutsal su serpti. Ek bir kefaret olarak, ayaklarını kanatması için ayakkabılarının içine metal şişe kapakları koyardı; bu, dini suçluluğun somut ve fiziksel bir tezahürüydü.
Bu marazi Katoliklik, şehrin filtresiz gerçekliğiyle de bir ayna gibiydi. Del Toro, morglarda, kilise mahzenlerinde, kazalar veya şiddet olayları sonrası sokaklarda gerçek cesetleri gördüğü erken ve tekrarlanan ölümle karşılaşmalarından canlı anılarla bahsetmiştir. Kutsal ile dünyevinin sürekli ve içgüdüsel bir diyalog içinde olduğu bu ortam, gerçek ile fantastik arasında net bir sınır görmeyen bir zihin şekillendirdi. Kaçmak için hayal dünyasına sığındı ve teselliyi azizlerde değil, canavarlarda buldu.
Yaratıcı dürtüleri, yaklaşık sekiz yaşındayken babasının Super 8 kamerasıyla denemeler yapmaya başladığında bir çıkış yolu buldu. Maymunlar Cehennemi oyuncakları ve diğer ev eşyalarını başrolde oynattığı ilk filmleri, şimdiden karanlık ve komik bir duyarlılıkla doluydu. Dikkate değer bir kısa filmde, ailesini öldürdükten sonra bir araba tarafından acımasızca ezilen, dünya hakimiyeti hırsıyla dolu bir “patates seri katil” yer alıyordu. Bu erken dönem çalışmaları, korku türünün klişeleriyle oynayan, makabr olanda tuhaf ve harika bir güç bulan bir zihni ortaya koymaktadır. Del Toro’nun sonraki eserlerinin merkezindeki çatışma – katı, zalim kurumlar ile ruh dolu, yanlış anlaşılmış “canavar” arasındaki çarpışma – bu çocukluğun doğrudan bir dışavurumuydu. O, büyükannesinin inancını basitçe reddetmedi; onun gotik görkemini benimseyerek, huşu ve dehşet duygusunu kendi yarattığı yeni, kişisel bir mitolojiye aktardı.
Zanaatkârın Çıraklığı: Necropia’dan Cronos‘a
Del Toro’nun genç bir hobi sahibinden profesyonel bir sinemacıya uzanan yolculuğu, pratik zanaatkârlık temelinde inşa edildi. Guadalajara Üniversitesi’nde sinema eğitimi aldı ve hatta burada ilk kitabını, Alfred Hitchcock’un bir biyografisini yayımladı. Ancak en önemli eğitimi bir sınıftan değil, bir atölyeden geldi. Şeytan (The Exorcist) filmindeki çığır açan efektlerin arkasındaki efsanevi sanatçı Dick Smith’i buldu ve ondan özel efektler ve makyaj eğitimi aldı. Bu mentorluk, onun için bir dönüm noktası oldu. Sonraki on yıl boyunca del Toro kendini bu zanaata adadı, özel efekt makyaj tasarımcısı olarak çalıştı ve sonunda Guadalajara’da kendi şirketi Necropia’yı kurdu. Bu dönemde, Alfonso Cuarón ve Emmanuel Lubezki gibi gelecekteki işbirlikçileriyle birlikte çalıştığı Hora Marcada gibi Meksika televizyon programlarında yeteneklerini geliştirdi ve Guadalajara Uluslararası Film Festivali’nin kurucuları arasında yer aldı.
Sinema büyüsünün fiziksel olarak nasıl şekillendirildiği, kalıplandığı ve hayata geçirildiğine dair bu derin, dokunsal anlayış, yönetmenlik tarzının temel taşı haline gelecek ve kariyeri boyunca fantastik yaratımlarına somut, içgüdüsel bir ağırlık kazandıran pratik efektlere olan tercihini pekiştirecekti. Bu yoğun çıraklık dönemi, 1993 yapımı ilk uzun metrajlı filmi Cronos ile doruğa ulaştı. Kısmen kendi finanse ettiği yaklaşık 2 milyon dolarlık bir bütçeyle çekilen film, bir zanaatkâr olarak yolculuğunun nihai ifadesiydi. Pratik efektler konusundaki uzmanlığıyla finanse edilen ve bu uzmanlık üzerine inşa edilen bir filmdi. Cronos, vampiristik bir kan arzusunun bedeliyle sonsuz yaşam bahşeden, 400 yıllık, böcek benzeri bir cihazı keşfeden yaşlı bir antikacının hikayesini anlatır. Film, karmaşık saat mekanizmaları, böcek imgeleri, trajik ve sempatik bir canavar ve derin bir Katolik sembolizmi gibi del Toro’nun imza motiflerini dünyaya tanıtan tam teşekküllü bir misyon beyanıydı. Ayrıca, cihazı arayan kaba bir Amerikalıyı canlandıran aktör Ron Perlman ile ilk işbirliğine de işaret ediyordu.
Cronos, Meksika’da büyük bir sansasyon yarattı ve En İyi Film ve En İyi Yönetmen dahil olmak üzere dokuz Ariel Ödülü’nü sildi süpürdü. Ardından Cannes Film Festivali’nde prestijli Uluslararası Eleştirmenler Haftası ödülünü kazanarak dünya sinemasında şaşırtıcı derecede özgün bir sesin geldiğini duyurdu. Ancak Amerika Birleşik Devletleri’nde gösterimi sınırlı kaldı ve sadece 621.392 dolar hasılat elde etti. Film eleştirmenlerin gözdesiydi ama ticari bir dipnottu; bu, Hollywood sisteminin kalbine doğru ilerlerken kariyerinin bir sonraki aşamasını tanımlayacak bir modeldi.
Ateşle İmtihan: Hollywood’da Mimic Çilesi
Cronos‘un uluslararası başarısının ardından del Toro, 1997 yılında Miramax’ın tür filmleri etiketi olan Dimension Films tarafından üretilen bilim kurgu-korku filmi Mimic: Tehlikeli Yaratıklar ile Amerikan stüdyo sistemine ilk adımını attı. Bu deneyim, travmatik bir ateşle imtihan olacaktı. Projenin her yönüne müdahale ettiğini düşündüğü yapımcılar Bob ve Harvey Weinstein ile sürekli çatıştı. Stüdyo, onun senaryo, oyuncu seçimi ve ton konusundaki kararlarını sorguladı ve del Toro’nun hayal ettiği atmosferik yaratık filmi yerine daha geleneksel ve “daha korkutucu” bir film talep etti. Hayaletimsi beyaz böcekleri içeren orijinal konsept, dev mutant hamamböcekleriyle değiştirildi; del Toro bu hareketin filmini “dev hamamböceği filmine” dönüştüreceğinden endişe ediyordu.
Yaratıcı mücadeleler o kadar yoğunlaştı ki, Harvey Weinstein’ın Toronto’daki sete baskın yaparak del Toro’ya nasıl yönetmenlik yapacağını söylediği ve daha sonra onu kovdurmaya çalıştığı, bu çabanın ise sadece başrol oyuncusu Mira Sorvino’nun müdahalesiyle engellendiği bildirildi. Del Toro o zamandan beri Mimic‘in yapımını hayatının en kötü deneyimlerinden biri, kendi babasının kaçırılmasıyla olumsuz bir şekilde karşılaştırdığı “korkunç, korkunç, korkunç bir deneyim” olarak nitelendirdi. Sonunda filmin sinema versiyonunu reddetti, ancak daha sonra 2011’de orijinal niyetlerinin bir kısmını geri getiren bir yönetmen kurgusu yayınlayabildi. Bu çile, onu neredeyse tamamen Amerikan sinemasından uzaklaştırıyordu.
Ancak Mimic‘in yarattığı profesyonel travma, onun zanaatı üzerinde derin ve kalıcı bir etki bıraktı. Eserinin stüdyo tarafından yeniden kurgulanıp kontrol edilmesine tepki olarak del Toro, yaratıcı bir kendini koruma biçimi olarak bilinçli bir şekilde belirli bir yönetmenlik tarzı geliştirdi. Kolayca yeniden kurgulanmaya meydan okuyan bir şekilde çekim yapmaya başladı; akıcı, karmaşık ve genellikle setin içinde süzülen uzun kamera hareketleri kullandı. Şimdi sanatının bir alametifarikası olarak kutlanan bu “süzülen kamera” tarzı, hesaplanmış bir hayatta kalma taktiği olarak doğdu. Bu, kamerayı kendi başına bir anlatıcı karaktere dönüştürmenin, anlatı mantığını bir çekimin görsel diline o kadar derinlemesine yerleştirmenin bir yoluydu ki, kurgu odasında kolayca parçalanamazdı. Mimic‘in acısı, gelecekteki başyapıtlarını inşa edeceği araçları dövdü.
Köklere Dönüş: Şeytanın Bel Kemiği‘nin İspanyol Gotiği
Hollywood’daki çilesinden sarsılan del Toro, stratejik ve ruhsal olarak gerekli bir geri çekilme yaptı. Köklerine döndü, kendi yapım şirketi olan The Tequila Gang’i kurdu ve İspanya ile Meksika arasında İspanyolca bir ortak yapım projesine girişti. Sonuç, hem yaratıcı bir canlanma hem de en ünlü eserinin tematik bir taslağı olarak hizmet eden, derinden kişisel bir gotik hayalet hikayesi olan Şeytanın Bel Kemiği (2001) oldu.
Film, efsanevi İspanyol yönetmen Pedro Almodóvar ve kardeşi Agustín tarafından, şirketleri El Deseo aracılığıyla yapıldı. Bu ortaklık, Mimic‘in zehrine karşı mükemmel bir panzehir oldu. Del Toro’ya tam bir yaratıcı özgürlük tanındı; bu kavram o kadar mutlaktı ki, son kurgu hakkı istediğinde Pedro Almodóvar gerçekten şaşırdı ve “Ama elbette, karar senin!” diye yanıt verdi. Bu korunaklı ortam, del Toro’nun sesini yeniden bulmasını ve önceki filminin yaralarını sarmasını sağladı. Hatta Cronos‘tan bile önce yazdığı bir senaryoyu yeniden canlandırdı: İspanya İç Savaşı’nın son yılında, 1939’da geçen bir hikaye. Öykü, Cumhuriyetçi sadıklar tarafından yönetilen perili bir yetimhaneye gönderilen genç bir çocuk olan Carlos’u takip eder. Orada sadece öldürülmüş bir çocuğun hayaletiyle değil, aynı zamanda bekçi Jacinto’da vücut bulan açgözlülük ve şiddet gibi çok insani kötülüklerle de yüzleşir. Film, doğaüstü korkuyu tarihsel trajediyle ustaca harmanlayarak, İspanya İç Savaşı’nı del Toro’nun daha sonra “hayalet motoru” olarak adlandıracağı bir olgu olarak kurar – o kadar derin bir tarihsel travma ki, hayaletleri bugünü rahatsız etmeye devam eder.
Şeytanın Bel Kemiği, eleştirmenler tarafından atmosfer ve metafor başyapıtı olarak selamlandı. Del Toro için daha da önemlisi, tavizsiz vizyonunun güçlü ve yankı uyandıran bir sinemayla sonuçlanabileceğinin bir teyidiydi. Filmi, daha sonraki eserinin kadınsı enerjisine daha erkeksi bir karşılık olan Pan’ın Labirenti‘nin “kardeş filmi” olarak tanımladı. Şeytanın Bel Kemiği‘nin getirdiği yaratıcı tatmin ve eleştirel başarı, sadece özgüvenini geri kazandırmakla kalmayıp, aynı zamanda gelecek başyapıtının temel temalarını ve tarihsel zeminini de hazırlayan temel sanatsal terapi seansıydı.
Ana Akımı Fethetmek: Blade: Bıçağın İki Yüzü ve Hellboy Destanı
Şeytanın Bel Kemiği‘nin yaratıcı zaferiyle güçlenen del Toro, Hollywood’a geri döndü, ancak bu kez kendi şartlarıyla. Vampir-süper kahraman devam filmi Blade: Bıçağın İki Yüzü‘nün (2002) yönetmen koltuğuna oturdu; bu proje, gotik, canavarca estetiğini yüksek oktanlı gişe canavarı aksiyonuyla birleştirmesine olanak tanıdı. Romantik, “işkence görmüş Viktorya dönemi kahramanları” klişesinden sıkılmıştı ve vampirleri tekrar korkutucu yapmaya kararlıydı. Film, 155 milyon dolar hasılat yaparak büyük bir başarı elde etti ve onun eşsiz duyarlılığının ana akım bir seride de başarılı olabileceğini kanıtladı. Bölünmüş çeneleriyle dehşet verici “Reaper’lar” gibi karmaşık yaratık tasarımlarını, atmosferik aydınlatmayı ve pratik efektlere olan özgün sevgisini çizgi roman filmleri dünyasına taşıyarak, birçok hayranın üçlemenin zirve noktası olarak kabul ettiği bir film yarattı.
Bu başarı, ona yıllardır değer verdiği bir projeyi hayata geçirmek için sektörde gerekli gücü verdi: Mike Mignola’nın çizgi romanı Hellboy‘un bir uyarlaması. Esprili, kırmızı derili iblisi ekrana taşıma yolculuğu, del Toro’nun sarsılmaz sadakati ve sanatsal bütünlüğüyle tanımlanan zorlu bir süreçti. Yedi yıl boyunca, projeye ve özellikle de başrol seçimine tereddütle yaklaşan stüdyolarla mücadele etti. Del Toro, karakterin ruhunu yalnızca bir aktörün canlandırabileceği konusunda ısrarcıydı: arkadaşı ve sık sık işbirliği yaptığı Ron Perlman. Başka biriyle film yapmayı reddetti ve kalbi olarak gördüğü bu konuda taviz vermektense tüm projeyi feda etmeye hazırdı.
Israrı sonuç verdi. Hellboy 2004’te gösterime girdi ve bunu 2008’de daha da fantastik bir devam filmi olan Hellboy II: Altın Ordu izledi. Filmler, del Toro’nun tutkularının canlı bir vitrinidir. Nefes kesici pratik efektler ve yaratık tasarımlarıyla doludurlar; bunların çoğu doğrudan kişisel defterlerinden fırlamıştır. Bu seri filmlerine bir kiralık yönetmen olarak değil, bağımsız çalışmalarına getirdiği aynı yaratıcı tutkuyla yaklaştı. Patlayıcı aksiyonu, gerçek bir dokunaklılık ve karaktere dayalı bir mizahla dengeleyerek canavar kahramanını ve onun “ucubelerden” oluşan ailesini insanlaştırdı. Bunu yaparken del Toro, sanat sineması ile çok salonlu sinemalar arasındaki çizgiyi etkili bir şekilde bulanıklaştırdı ve ona göre sempatik bir canavar hakkındaki bir hikayenin, bütçesi ne olursa olsun değerli bir çaba olduğunu gösterdi.
Başyapıt: Pan’ın Labirenti‘nin İçinde
2006 yılında Guillermo del Toro, kariyerini tanımlayacak ve onu dünyanın önde gelen sinema vizyonerlerinden biri olarak sağlamlaştıracak filmi yayınladı: Pan’ın Labirenti (El laberinto del fauno). İspanya ve Meksika arasında uluslararası bir ortak yapım olan bu proje o kadar kişiseldi ki, del Toro tamamlanmasını sağlamak için kendi maaşını yatırdı. Film, o ana kadar hayatını ve çalışmalarını şekillendiren her temanın, etkinin ve takıntının nihai bir sentezidir.
Titizlikle tuttuğu defterlerinde yirmi yıl boyunca biriktirdiği fikirlerden, çizimlerden ve senaryo parçalarından doğan hikaye, İspanya İç Savaşı’ndan beş yıl sonra, 1944’te geçmektedir. Hamile annesiyle birlikte, sadist yeni üvey babası Falangist Yüzbaşı Vidal tarafından komuta edilen kırsal bir askeri karakola giden Ofelia adlı genç bir kızı takip eder. Yeni hayatının acımasız gerçekliğinden kaçan Ofelia, antik bir labirent ve gizemli bir faun keşfeder; faun ona yeraltı dünyasının uzun zamandır kayıp bir prensesi olduğunu söyler. Krallığını geri kazanmak için üç tehlikeli görevi tamamlaması gerekmektedir.
Pan’ın Labirenti, Grimm tarzı karanlık bir peri masalını, savaş sonrası Franco İspanya’sının tavizsiz vahşetiyle ustaca ve yürek parçalayıcı bir şekilde harmanlar. Fantezi dünyası, gerçeklikten basit bir kaçış değil, daha ziyade Ofelia’nın onun dehşetini işlediği ve yüzleştiği mecazi bir mercektir. Seçim ve itaatsizlik temaları merkezidir; Ofelia sürekli olarak test edilir, Vidal ve Faun gibi otoriter figürlere körü körüne itaat etmek ile kendi doğuştan gelen ahlaki pusulası arasında seçim yapmak zorunda kalır. Filmin en korkunç yaratığı olan çocuk yiyen Solgun Adam, faşizmin ve suç ortağı Katolik Kilisesi’nin kurumsal kötülüklerinin doğrudan bir alegorisidir.
Film, 2006 Cannes Film Festivali’nde prömiyerini yaptı ve burada festival tarihindeki en uzunlardan biri olan 22 dakikalık coşkulu bir ayakta alkışla karşılandı. 19 milyon dolarlık mütevazı bir bütçeyle 83 milyon doların üzerinde hasılat yaparak küresel bir fenomen haline geldi ve geniş çapta eleştirel beğeni topladı. Del Toro için En İyi Orijinal Senaryo da dahil olmak üzere altı dalda Akademi Ödülü’ne aday gösterildi ve Görüntü Yönetimi, Sanat Yönetimi ve Makyaj dallarında üç Oscar kazandı. Film, onun tüm sanatsal kimliğinin mükemmel bir damıtmasıydı, tüm kariyerinin inşa ettiği bir eserdi ve gelecekteki tüm girişimleri için ona muazzam bir yaratıcı sermaye sağladı.
Bir Yaratıcı Olarak Yapımcı ve İşbirlikçi
Pan’ın Labirenti‘nin büyük başarısının ardından del Toro’nun etkisi, kendi yönetmenlik çalışmalarının çok ötesine geçti. Modern fantastik hikaye anlatıcılığında merkezi, üretken bir güç olarak rolünü pekiştirdi ve yeni kazandığı nüfuzunu diğer film yapımcılarını desteklemek ve yaratıcı evrenini birden fazla platformda genişletmek için kullandı. Yapımcı olarak çalışması bir yan iş değil, dünya kurma dürtüsünün doğrudan bir uzantısıdır. H.P. Lovecraft’ın Deliliğin Dağlarında adlı eserinin uyarlaması gibi hayal gücünü yakalayan her hikayeyi kişisel olarak yönetemediği için, tematik olarak uyumlu dünyaları hayata geçirmek için etkisini kullanır.
J.A. Bayona’nın Yetimhane (2007) ve Andy Muschietti’nin Mama (2013) gibi beğenilen İspanyolca korku filmlerinde yapımcı ve mentor olarak görev alarak sevdiği tür içinde yeni yetenekleri besledi. Ayrıca animasyonda kilit bir yaratıcı güç haline geldi ve Çizmeli Kedi (2011), Efsane Beşli (2012) ve Kung Fu Panda devam filmleri gibi DreamWorks Animation filmlerinde yönetici yapımcı olarak hizmet etti. Etki alanı gişe rekorları kıran serilere ve televizyona da uzandı. Hobbit‘in film uyarlamasını yönetmesi gündeme geldikten sonra yönetmen koltuğundan çekildi, ancak Peter Jackson’ın üçlemesindeki üç filmin de ortak senaristi olarak yer alarak Orta Dünya anlatısını şekillendirdi. Chuck Hogan ile birlikte yazdığı vampir romanları üçlemesine dayanan FX dizisi The Strain‘in (2014-2017) ortak yaratıcısı ve yönetici yapımcısı olarak televizyona adım attı. Netflix için, Trol Avcıları, Dünya Dışında Üçümüz ve Büyücüler dizilerini kapsayan geniş ve sevilen animasyon serisi Arcadia Hikayeleri‘ni yarattı. Bu çeşitli projeler aracılığıyla del Toro, adını ve kaynaklarını kullanarak “nadire kabinesini” tek başına başarabileceğinden çok daha büyük bir ölçekte inşa ederek, daha geniş ve ortak bir karanlık fantezi evrenini etkili bir şekilde yönetir.
Sıra Dışı Bir Aşk Hikayesi: Bir Oscar’ın Şekli
2017 yılında Guillermo del Toro, ona en büyük endüstri ödüllerini getirecek olan filmi yönetti: Aşkın Gücü (The Shape of Water). Filmin doğuşu bir çocukluk anısına dayanıyordu – Kara Gölün Canavarı‘nı izlemek ve canavar ile kadın başrolün aşklarında başarılı olmalarını dilemek. Onlarca yıl sonra, bu dileği Soğuk Savaş döneminde geçen bir peri masalında hayata geçirdi ve bu, onun en çok kutlanan eseri oldu.
1962’de Baltimore’da geçen hikaye, gizli bir devlet laboratuvarında dilsiz bir temizlikçi kadın olan Elisa Esposito’yu merkezine alır. Sessiz yalnızlık hayatı, laboratuvarın en hassas varlığını keşfettiğinde değişir: Amazon Nehri’nden yakalanan amfibi bir insansı yaratık. Yaratıkla sessiz bir bağ kurarken, sadist bir hükümet ajanının onu canlı canlı kesme planını ortaya çıkarır. Film, dışlanmışlara yazılmış güzel, melankolik bir övgüdür; Elisa’nın cinsel kimliğini gizleyen eşcinsel komşusu ve Afro-Amerikan iş arkadaşından oluşan ailesi, dönemin ötekileştirilmiş seslerini temsil eder. Nispeten mütevazı bir bütçe olan 19.5 milyon dolara yapılan Aşkın Gücü, 1962’deki ortamını “zor zamanlar için bir peri masalı” olarak kullanarak günümüzün sosyal ve politik kaygılarına dair yorumlarda bulunan bir atmosfer ve duygu başyapıtıdır.
Film, Venedik Film Festivali’nde prömiyerini yaptı ve burada Altın Aslan’ı kazandı, ardından eleştirel ve ödül sezonunda bir güç merkezi haline geldi. Zafer gecesi 90. Akademi Ödülleri’nde geldi. On üç adaylıkla başı çeken film, En İyi Prodüksiyon Tasarımı, En İyi Orijinal Müzik, del Toro için En İyi Yönetmen ve gıpta ile bakılan En İyi Film ödülü dahil olmak üzere dört Oscar kazandı. Bu, bir dönüm noktasıydı. Onlarca yıl boyunca, tür filmleri büyük ölçüde büyük ödül kurumları tarafından teknik kategorilere indirgenmişti. Bu zaferle Akademi, del Toro’nun kariyeri boyunca savunduğu tezi tamamen benimsedi: Bir canavar hakkında bir hikaye ve bir kadın ile bir “balık adam” arasındaki bir aşk, herhangi bir geleneksel drama kadar derin, sanatsal ve endüstrinin en yüksek onuruna layık olabilirdi. O kadar değer verdiği “değersiz madde”, kurumun gözünde simyasal olarak sinematik altına dönüştürülmüştü.
Gelişen Bir Vizyon: Kara Film, Animasyon ve Gelecek
Oscar zaferini takip eden yıllarda del Toro, en eski tutkularına daha da sarılırken yeni türler keşfederek bir sanatçı olarak gelişmeye devam etti. 2021’de, doğaüstü unsurlar içermeyen ilk uzun metrajlı filmi olmasıyla önemli bir farklılık gösteren Kabus Sokağı‘nı yayınladı. William Lindsay Gresham’ın 1946 tarihli romanının gösterişli ve kasvetli bir uyarlaması olan film, klasik kara film (film noir) türündeki ustalığını sergileyen, insan hırsı ve ahlaksızlığının saf ve karanlık bir keşfidir. Göz alıcı prodüksiyon tasarımı ve Bradley Cooper’ın muhteşem performansıyla film, En İyi Film de dahil olmak üzere dört dalda Akademi Ödülü’ne aday gösterilerek sanatsal hakimiyetinin fantastik alanın ötesine uzandığını kanıtladı.
Bunu, on yılı aşkın bir süredir geliştirdiği bir projeyle takip etti: Guillermo del Toro Sunar: Pinokyo (2022). İlk aşkı olan stop-motion animasyonuna geri dönerek, klasik masalı bir çocuk hikayesi olarak değil, Mussolini’nin Faşist İtalya’sının arka planında geçen, yaşam, ölüm ve itaatsizlik hakkında karanlık, derin bir fabl olarak yeniden tasarladı. Film, el işi güzelliği ve olgun, anti-faşist temalarıyla kutlanan, teknik ve duygusal bir harikaydı. Ödül sezonunu silip süpürdü ve del Toro’ya bu kez En İyi Animasyon Filmi dalında bir Oscar daha kazandırdı.
Bu zafer, yönetmen için ileriye dönük yeni bir yol çizdi. Birkaç canlı aksiyon filmi daha çektikten sonra, kariyerinin geri kalanını öncelikli olarak animasyona, “sanatın en saf biçimi” olarak gördüğü ve en fazla yaratıcı kontrolü sunan bir ortama adamayı planladığını belirtti. Çocukluğundaki Super 8 filmlerinden doğan ve stüdyo müdahalelerinin travmasıyla pekişen titiz bir dünya kurma takıntısı olan bir sinemacı için stop-motion, son sınırı temsil eder. Bu, yönetmenin elinin kelimenin tam anlamıyla her karede olduğu, iradesinin doğrudan ve tavizsiz bir ifadesi olan tek ortamdır. Bu eksen değişikliği, onun yolculuğunu tam bir döngüye sokar; Guadalajara’da oyuncaklarını canlandıran çocuktan, küresel bir sahnede kuklalarını canlandıran ustaya.
Hayat Boyu Süren Bir Tutkunun Dirilişi: Frankenstein
2025’te del Toro, hayat boyu süren bir sanatsal takıntının doruk noktasını temsil eden bir proje olan Frankenstein‘ı yayınlamaya hazırlanıyor. Del Toro için bu hikaye sadece türün bir klasiği değil; kişisel bir dindir. Çocukken Boris Karloff’un canavarını gördüğünü ve ilk kez “bir azizin ya da mesihin neye benzediğini” anladığını söylemiştir. Bu derinden kişisel bağ, hikayenin tüm dünyasını uygun ölçekte yeniden inşa edebilecek bir versiyon yaratmak için doğru koşulları bekleyerek, Mary Shelley’nin romanını uyarlama arzusunu on yıllardır beslemiştir.
Film için vizyonu geleneksel bir korku filmi değil, daha ziyade “inanılmaz derecede duygusal bir hikaye”dir. Amacı, karakterleri kültürel karikatürlere dönüşmeden önce romanı ilk kez okuma hissini yeniden yakalamaktır. Anlatı, yaratıcı ile yaratılan arasındaki karmaşık ilişkiye odaklanacak ve del Toro’nun kendi hayatında derinden kök salmış babalık ve oğulluk temalarını keşfedecektir. Filmde dahi ve egoist bilim adamı Victor Frankenstein rolünde Oscar Isaac, trajik yaratığı rolünde ise Jacob Elordi yer alıyor. Oyuncu kadrosunda ayrıca Mia Goth, Christoph Waltz ve Charles Dance de bulunuyor. Filmin 17 Ekim 2025’te sınırlı sayıda sinemada gösterime girmesi ve ardından 7 Kasım 2025’te Netflix’te küresel olarak yayınlanması planlanıyor. Del Toro, filmi kendisi için bir dönemin sonu, Cronos‘tan günümüze çalışmalarını tanımlayan estetik, ritmik ve empatik kaygıların büyük bir sentezi olarak tanımladı.
Kusurluluğun Koruyucu Azizi
Guillermo del Toro’nun kariyeri, tekil ve derinden kişisel bir vizyonun gücünün bir kanıtıdır. Guadalajara’da canavarlara takıntılı bir çocuktan modern masalların kutlanan bir ustasına uzanan yolculuğu, temel inançlarına sarsılmaz bir bağlılıkla tanımlanmıştır. Dışlanmışları, “ötekileri” ve kusurluları sürekli olarak savunmuş, onlarda kendi kusurlu insanlığımızı yansıtan ruhani bir güzellik bulmuştur. İster faşizmin mekanizmalarına ister kilisenin dogmalarına yönelik olsun, onun sarsılmaz otorite karşıtlığı tüm eserlerinde güçlü bir alt akım olarak akar. O, tematik meşguliyetleri ve kendine özgü görsel dili anında tanınabilen, kelimenin tam anlamıyla bir yaratıcıdır. Filmleri karanlık ama umut dolu, grotesk ama şiirseldir ve peri masallarının gerçeklikten bir kaçış değil, onun en karanlık köşelerinde gezinmek için hayati bir araç olduğu derin anlayışı üzerine kuruludur.
Guillermo del Toro sadece canavarlar yaratmaz; onları anlar, sever ve kusurlarını umutsuzca kucaklaması gereken bir dünyanın koruyucu azizleri olarak görür. Bunu yaparken, hepimizin içindeki canavarca ve büyülü olana hem tuhaf derecede güzel hem de derinlemesine empatik bir ayna tutar.
