Wassily Kandinsky ve soyut sanatın doğuşunda renklerini duyan ressam

Wassily Kandinsky

Photo: Wassily Kandinsky / Public domain, via Wikimedia Commons

Doğum	4 Aralık 1866 Moscow
Ölüm	13 Aralık 1944 (78)
Meslek	Ressam ve sanat teorisyeni

Kandinsky, Monet’nin saman yığınlarını resmettiği bir tabloya ilk baktığında, saman yığınlarını göremedi. Onun yerine gördüğü, tıpkı yayın hemen altında tutulmuş bir çello gibi belirli bir perdede titreşiyormuş gibi görünen bir renk pusuydu. Şairane davranmıyordu. Kendisinde kromestezi vardı — seslerin otomatik olarak renk algısını tetiklediği nörolojik bir durum — ve bunun tersini deneyimliyordu: görsel uyaranlar, onun için odadaki herhangi bir ses kadar gerçek olan işitsel duyumlar üretiyordu. O Moskova öğleden sonrasında, çoğu ziyaretçinin İzlenimci teknik olarak gördüğü şeyi Kandinsky duyuyordu.

Soyut sanat işte tam burada başlar: teoride değil, manifestolarda değil, kendi duyusal çapraz bağlantılarını kapatamayan bir adamda.

Aralık 1866’da Moskova’da, ona kültürel açıdan cömert bir çocukluk yaşatan varlıklı bir çay tüccarının oğlu olarak doğdu. 1880’lerde bir öğrenci etnografya gezisi sırasında karşılaştığı Vologda bölgesinin halk sanatı, onda kalıcı bir şey bıraktı: neyi tasvir ettiğinden bağımsız, hissedilebilir bir nesne olarak rengin anısı. Beklenen yolu izleyerek Moskova Üniversitesi’ne girdi, hukuk ve ekonomi okudu ve kendisine üniversitede profesörlük teklif edildi. Otuz yaşında bunu reddetti ve resim yapmayı öğrenmek için Münih’e taşındı.

Münih’te Anton Ažbe ve Franz von Stuck’ın yanında çalıştı, manzaralar ve halk sanatından etkilenmiş dekoratif işler üretti ve şehrin avangardıyla birlikte sergiler düzenleyen Phalanx adlı bir grup kurdu. Ciddi ve metodikti, herhangi bir tek tablodan çok yaptığı işin teorisiyle ilgileniyordu. Onu daha da ileriye taşıyan şey tek bir etki değil, bir yakınlaşmaydı: Müziğin görsel alan yaratıyor gibi göründüğü Wagner operaları; insan figürlerini tasvir etme yasağının süslemeyi olağanüstü bir biçimsel yoğunluğa taşıdığı İslam sanatı; ve iyi renklendirilmiş bir tuvale baktığında hissettiği duygusal yükün, tuvalin tanınabilir herhangi bir şey tasvir edip etmemesiyle hiçbir ilgisi olmadığına dair giderek güçlenen farkındalık.

Daha sonra ilk tamamen soyut suluboya olduğunu iddia edeceği tuval, kaynağa bağlı olarak ya 1910 ya da 1913 tarihlidir. Bu tartışma önemsiz değil — sanat tarihinde ilk olmak önemlidir — ama asıl önemli olan beraberindeki metindir: Aralık 1911’de yayımlanan Über das Geistige in der Kunst (Sanatta Ruhsallık Üzerine), renklerin ve biçimlerin temsilden bağımsız olarak içsel duygusal içerik taşıdığını savunuyordu. Sarı saldırgandır, bir trompet gibi; mavi içe dönüktür, bir çello gibi; bir üçgen, içini dolduran rengi neyse onu yoğunlaştırır. Bu estetik değildi. Bu, algının yapısına dair, bu algıyı gerçekten o şekilde deneyimleyen biri tarafından yapılmış bir iddiaydı.

Kitabın yayımlandığı yıl, ressam Franz Marc ile birlikte Der Blaue Reiter’i — Mavi Süvari — kurdular: Paul Klee, August Macke ve Alexei von Jawlensky’yi de içeren, sanatın manevi boyutunun yüzyıllar süren taklitçilik altında gömüldüğü inancında birleşmiş bir almanak ve gevşek bir sanatçı konfederasyonu. 1913’te Kandinsky, Kompozisyon VII’yi üretti: aylarca süren hazırlık çalışmalarından sonra — nihai tablo gerçekleşmeden önce kompozisyon mantığını haritalandıran düzinelerce yağlıboya eskiz ve suluboya — dört yoğun günde tamamladığı 200 x 300 santimetrelik bir tuval. Bu eser, bugün bile, şimdiye kadar yapılmış en önemli soyut resim unvanı için en çok tartışılan aday olmaya devam ediyor.

Birinci Dünya Savaşı, Münih avangardını paramparça etti ve Kandinsky’yi Rusya’ya geri gönderdi; burada devrim sonrası sanat kurumlarında çalıştı, ardından Sovyet faydacılığının sanatın devlete hizmet etmesi yönündeki talebinden hayal kırıklığına uğradı. 1922’de Almanya’ya döndü ve Weimar’daki Bauhaus’a katıldı — ve orada, modern sanatın en büyük süregelen diyaloglarından birini oluşturacak şekilde Paul Klee ile yan yana çalışarak tamamen geometrik soyutlamaya geçti.

Bauhaus dönemi resimleri, savaş öncesi çalışmalardan çok farklı okunur. Kompozisyon VIII (1923, Guggenheim Müzesi, New York), dairelerin, üçgenlerin ve düz çizgilerin hassas bir şekilde orkestre edilmiş bir düzenlemesidir — Kompozisyon VII’nin operamsı olduğu yerde serin ve ölçülebilirdir. Sarı-Kırmızı-Mavi (1925), 1976’da dul eşi Nina tarafından Centre Pompidou’ya bağışlanmış, kurumun en çok reprodüksiyonu yapılan imgelerinden biri haline gelmiştir. Nokta ve Çizgi Düzleme (1926), renk-biçim teorisini, temel sanat derslerinde hâlâ yer alan sistematik bir pedagojiye dönüştürdü. Bauhaus, siyasi baskı arttıkça Weimar’dan Dessau’ya, oradan da Berlin’e taşındı ve Kandinsky de onunla birlikte taşındı.

Kandinsky’nin yaptığını iddia ettiği şey ile çalışmalarının başına gelenler arasındaki boşluğu dikkatle incelemeye değer bir şey var. Soyut resmin manevi bir alanda işlediğini savundu — sanatçının, görünmeyenden gelen içeriği biçime taşıyan bir haberci olduğunu ve resimlerine verilmesi gereken doğru tepkinin müzik deneyimine benzer bir şey olduğunu: biçimsel ilişkilerin ürettiği istemsiz bir duygusal durum. Soyut sanatın kurumsal hayatında çoğunlukla dönüştüğü şey ise, yirminci yüzyılın seküler mekânlarının — otel lobileri, kurumsal genel merkezler, havalimanı terminalleri — varsayılan görsel dili oldu. Manevi içerik iddiası, pratikte dekoratif olma iznine dönüştü ve dekorasyon tam da Kandinsky’nin en çok korktuğu ve uyardığı şeydi. “Salt dekorasyon” hakkında, soyutlamanın başarısızlık modu olarak uzun uzun yazdı. Kendi çalışmalarının bundan kaçıp kaçmadığı, ciddi eleştirmenlerin hiçbir zaman tam olarak çözemediği bir sorudur.

Naziler 1933’te Bauhaus’u kapattığında, Kandinsky ve eşi Nina Paris’e kaçtı ve Marcel Duchamp’ın onlar için bulduğu Neuilly-sur-Seine’deki bir daireye yerleşti. 1939’da Fransız vatandaşı oldu. Ertesi yıl Almanya Fransa’yı işgal ettiğinde, kısa süreliğine Pireneler’e kaçtılar, ardından son yıllarını artan bir izolasyon içinde geçirdiği daireye döndü; resimleri satılmıyordu, biyomorfik biçimleri — yumuşak, amip benzeri, geometriden olduğu kadar mikroskobiden de ilham alan — önceki çalışmalarını bilenleri şaşırtan bir yönde ilerliyordu. 13 Aralık 1944’te, yetmiş sekizinci doğum gününe üç gün kala öldü.

Nina Kandinsky, ölümünden sonra otuz yıldan fazla bir süreyi mirası koruyarak ve eserleri barındırabilecek kurumlara yerleştirerek geçirdi. 1976’da Centre Pompidou’ya yaptığı bağış, dünyadaki en büyük tek Kandinsky koleksiyonunu oluşturdu. Pompidou ile ortaklaşa düzenlenen ve Haziran 2026’ya kadar sürecek olan Villeneuve-d’Ascq’daki LaM’deki büyük bir retrospektif, Kandinsky’nin kişisel arşivini — fotoğraflar, bilimsel illüstrasyonlar, basın kupürleri — ilk kez Paris dışında inceledi ve soyutlamasının, geride bıraktığını iddia ettiği görsel dünya tarafından nasıl beslendiğini ortaya koydu. Kariyeri boyunca yaptığı argüman hâlâ canlı. Her Kandinsky sergisinde soru geri dönüyor: Tablo, onun duyduğunu duydu mu, yoksa sadece öyle mi görünüyordu?

Etiketler: artists, sanatçılar, soyut sanat, Franz Marc, Kompozisyon VII, Mavi Süvari

İlgili kişiler

Marc Chagall

Roy Lichtenstein

Andy Warhol

John Krasinski

Kate Winslet

Stanley Kubrick