En İyi 15 Japon Film Yönetmeni, İcat Ettikleri Şeye Göre Sıralandı

Hiçbir ulusal sinemadan Japonya’nınki kadar çok ödünç alınmadı. Western türü ona hiçbir zaman ödemediği bir borçla bağlı, modern aksiyon filmi kurgu dilini Kurosawa’dan aldı ve yayın platformlarının bugün prestijli animasyon diye pazarladığı işlerin yarısı, Tokyo’nun batı ucundaki Koganei’de bulunan tek bir stüdyodan geliyor.

Aşağıdaki yönetmenler, icat ettikleri ve kendilerinden sonra ayakta kalanlar üzerinden sıralandı. Otuz yıl boyunca aslında hep aynı aile dramını çeken bir sinemacının, aynı filmi asla iki kez çekmemiş biriyle yan yana zirveye yakın durmasının nedeni bu. Animasyon ustalarının burada canlı çekim ustalarıyla birebir aynı koşullarda yer almasının nedeni de.

Liste sessiz sinema döneminden bugün hâlâ film çeken yönetmenlere uzanıyor, çünkü savaş sonrası devleri kapısı kapanmış bir müze gibi ele almak, onları yanlış anlamanın en kısa yolu. İstediğiniz kadar itiraz edin; böyle bir liste tam da bunun için var. İlk isimler neredeyse kimseyi şaşırtmayacak. Sürprizler aşağılarda başlıyor.

Önerilen okumaDavid Lowery, Anne Hathaway ve Michaela Coel’i Mother Mary’nin dönüş ritüeline yerleştiriyor

1. Akira Kurosawa

Akira Kurosawa, Japonya’da çalışmış en etkili yönetmen ve dünyanın herhangi bir yerindeki en etkili yönetmen unvanının da ciddi adayı. Yedi Samuray, aksiyon filminin hâlâ üzerinde yürüdüğü “ekip toplama” yapısını icat etti; Western uyarlamalarından o günden bu yana gelen her soygun ve süper kahraman ekibi filmine kadar. Raşomon, birçok dile tartışmalı hakikat için bir kelime kazandırdı. Buna teleobjektifle çekilmiş savaş sahnelerini, dramın parçası hâline gelen hava koşullarını ve George Lucas’ın olduğu gibi aldığı silme geçişlerini de ekleyin: kimse yanına yaklaşamıyor.

2. Yasujiro Ozu

Yasujiro Ozu bütün kariyerini tek bir konuyu, birbirinden uzaklaşan anne babaları ve çocukları, alçağa yerleştirilmiş ve neredeyse hiç kıpırdamayan bir kamerayla inceltmeye adadı. Tokyo Hikayesi bunun en saf hâli: yaşlı bir çift, işlerine gömülmüş yetişkin çocuklarını ziyarete gider ve hayatın bütünü dışında hiçbir şey olmaz. Sinemanın en sessizce radikal biçimcisi o; başkalarının, durağanlığa anlam yüklemek istediklerinde gidip ondan çaldığı yönetmen.

3. Kenji Mizoguchi

Kenji Mizoguchi uzun planı ahlaki bir tavra dönüştürdü. Kameranın izlediği şeye siz de ortak olana kadar planı sürdürüyor, bir kesme sizi kurtaracaksa kesmeyi reddediyor. İki adamın para ve şan peşinde koşarken bedelini karılarının ödediği bir hayalet hikâyesi olan Ugetsu, en ünlü filmi. Feodal ekonominin ezdiği kadınlara dair portreleri, taşıdıkları öfkeyle hâlâ eşsiz.

4. Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki en iyi animasyon filmi Oscar’ını, aralarında yirmi yıldan fazla fark olan iki ayrı kez kazandı ve elle çizilen animasyonu dünya çapında ciddi bir yetişkin sanatına dönüştürdü. Ruhların Kaçışı bu biçimin hâlâ en yüksek başarısı: emek, açgözlülük ve insanın kendi adını kaybetmesi üzerine bir çocuk kâbusu, hiçbir algoritmanın taklit edemeyeceği bir sabırla çizilmiş. Kurucuları arasında yer aldığı stüdyo, Japon animasyonunun bir tür olarak değil sinema olarak konuşulmasının nedeni.

5. Hirokazu Kore-eda

Hirokazu Kore-eda, Ozu’nun konusunu devraldı ve onu bugüne taşıdı: devlet bir aileye aile değil derken aile sayılan şey nedir? Cannes’da Altın Palmiye kazanan Arakçılar, kan bağından daha güçlü bir şeyle bir arada duran küçük hırsızlardan oluşan bir haneyi izliyor ve sesini hiç yükseltmeden kalbinizi kırıyor. Yaşayanlar arasında çocuk oyuncuları en iyi yöneten isim o; bunu büyük ölçüde onlara hiç senaryo vermeyerek başarıyor.

6. Masaki Kobayashi

Masaki Kobayashi, The Human Condition üçlemesinin üç bölümüne yayılan dokuz buçuk saatlik bir savaş karşıtı sinema yarattı ve bunu İmparatorluk Ordusu’nda terfiyi reddetmiş bir adam olarak yaptı. Üçleme, bir pasifisti çalışma kamplarından cepheye ve Sovyet esaretine kadar bir kez bile gözünü kaçırmadan izliyor. Samuray draması Harakiri, kurumsal onur üzerine çekilmiş en yıkıcı film ve keskinliğinden hiçbir şey kaybetmedi.

7. Shohei Imamura

Shohei Imamura, Altın Palmiye’yi iki kez kazandı ve savaş sonrası ustaların dışarıda bıraktığı Japonya’nın büyük vakanüvisi oldu: taşranın, suçun, bedenin ve şehvetin Japonya’sı. Kariyerine Ozu’nun asistanı olarak başladı, geri kalanını ise açık açık tam tersi türden filmler çekerek geçirdi. Yaşlıların ölmek üzere dağa taşındığı bir köyü anlatan Narayama Türküsü, sinemanın ulaşabileceği en duygusallıktan uzak noktada duruyor.

8. Nagisa Oshima

Nagisa Oshima, Japon Yeni Dalgası’nın en keskin siyasi zihniydi; sansürle verdiği savaşları devletin kendisine dair tartışmalara dönüştüren bir yönetmen. Duyuların İmparatorluğu, ülkesinde müstehcenlik suçlamasıyla yargılanmasına yol açtı ve dava beraatla sonuçlandı. David Bowie ile Ryuichi Sakamoto’yu bir esir kampında düşman olarak karşı karşıya getiren Mutlu Noeller Bay Lawrence ise hâlâ en insancıl eseri.

9. Kiyoshi Kurosawa

Kiyoshi Kurosawa’nın listenin zirvesindeki adamla hiçbir akrabalığı yok; korku dilini ani şoklardan değil, boş mekândan ve kötü havadan kurdu. Bir dedektifin, yabancılara cinayet işleten bir serseriyi kovaladığı Cure, bu listedeki en korkutucu film ve içinde neredeyse hiçbir şey yok. O günden bu yana aynı tedirginliği hayalet hikâyelerine, aile dramlarına ve casusluk filmlerine taşıdı.

10. Takeshi Kitano

Takeshi Kitano, dünyanın en kendine özgü yakuza stilisti olmadan önce bir televizyon komedyeniydi: sabit kadrajlar, ani şiddet, uzun sessizlikler ve hepsinin merkezinde çoğu zaman kendisine ait ifadesiz bir yüz. Ölmekte olan karısına bakarken borçlarını zor yoldan kapatan bir polisi oynadığı Hana-bi, Venedik’te Altın Aslan kazandı. Hiç kimse şefkatten vahşete bu kadar ani ve bu kadar iyi geçmedi.

11. Satoshi Kon

Satoshi Kon, kırk altı yaşında ölmeden önce dört uzun metraj film ve bir televizyon dizisi yaptı; her biri animasyonun öznelliği ele alış biçimini baştan kurdu. Oyunculuğa geçerken kimliği dağılan bir pop idolünü anlatan Perfect Blue, rüya, performans ve gerçeklik arasında hiç uyarmadan geçiş yapıyor. Darren Aronofsky onun görüntülerini perdede alıntıladı; Kon’un sonraki rüya soygunu filmi Paprika ise o günden beri Başlangıç üzerine yapılan her konuşmanın gölgesinde duruyor.

12. Ryusuke Hamaguchi

Ryusuke Hamaguchi, Haruki Murakami‘nin bir öyküsünden uyarlanan ve büyük bölümü bir oyunun provalarını anlatan üç saatlik bir filmle en iyi uluslararası film Oscar’ını kazandı. Drive My Car, yas tutan bir tiyatro yönetmeniyle genç şoförünü yüzyılın büyük perde sohbetlerinden birine dönüştürüyor. Bugün çalışan en iyi diyalog yönetmeni o ve bu listede yukarı tırmanması en olası isim.

13. Isao Takahata

Isao Takahata, Studio Ghibli‘nin kurucuları arasındaydı, hiç çizim yapmadı ve kendini hiç tekrar etmedi. Kobe’nin yangın bombalarıyla vurulduğu günlerde hayatta kalmaya çalışan yetim iki çocuğu anlatan Ateşböceklerinin Mezarı, izlemesi en zor animasyon filmi. On yıllar sonra kariyerini Prenses Kaguya Masalı ile kapattı: kömür ve suluboyayla çizilmiş, stüdyonun yayımladığı en güzel iş olabilecek bir masal.

14. Mikio Naruse

Mikio Naruse, savaş sonrasının büyük dörtlüsü içinde en az kutlanan ve en acımasız olanı. When a Woman Ascends the Stairs, evlilikle bağımsızlık arasında karar vermeye çalışırken her yenin hesabını tutan Ginza’lı bir bar hostesini izliyor ve ona hiçbir kolay çıkış yolu tanımıyor. Çalışan kadınlar ve para üzerine filmleri bir zamanlar mütevazı diye küçümseniyordu. Zaman onları grubun en modern işlerine dönüştürdü.

15. Shinya Tsukamoto

Shinya Tsukamoto, siberpunk beden korkusunun kilometre taşlarından birini 16 mm filmle neredeyse tek başına çekti ve o günden bu yana onlarca yılı şiddet ve savaş üzerine öfkeli, düşük bütçeli filmlere adadı. Bir ofis çalışanının yavaş yavaş hurda metale dönüştüğü Tetsuo: The Iron Man, hâlâ başka hiçbir şeye benzemiyor. Kendi filmlerini yazmaya, çekmeye, kurgulamaya ve onlarda oynamaya devam ediyor; bu da onu listedeki en saf bağımsız sinemacı yapıyor.

Mansiyonlar, çünkü on beş sıra hiçbir zaman yetmeyecekti: The Burmese Harp ve Fires on the Plain ile hâlâ vazgeçilmez iki savaş filmine imza atmış Kon Ichikawa; Branded to Kill yüzünden kovulan ve bu sayede efsaneye dönüşen stüdyo asisi Seijun Suzuki; Kum Kadın ile Hiroshi Teshigahara; Onibaba ile Kaneto Shindo; yakuza filmini yeniden icat eden, ardından dünyaya Battle Royale’i veren Kinji Fukasaku; Tampopo ile Juzo Itami; Akira ile Katsuhiro Otomo; Ghost in the Shell ile Mamoru Oshii; ve Audition’ı hâlâ bir cesaret sınavı gibi elden ele dolaşan Takashi Miike.

Listeyi yukarıdan aşağıya okuyun, bir örüntü hemen göze çarpıyor. Büyük Japon yönetmenler sinemanın ne işe yaraması gerektiğiyle nadiren ilgilendi; kameranın neyi taşıyabileceğiyle ilgilendiler. Etkinin Kurosawa’dan Hollywood’a, Ozu’dan festival dünyasının yarısına ve Koganei’den ciddiye alınmak isteyen her animatöre uzanmasının nedeni bu. Herhangi bir yerden başlayın. Sonunda hepsini izlemiş olacaksınız.

Etiketler: cinema, Hirokazu Kore-eda, Akira Kurosawa, Hayao Miyazaki, Masaki Kobayashi, Kenji Mizoguchi

Benzer içerikler

‘Liminal mekanlar’ nedir? Boş odaların internet estetiği korkuyu nasıl ele geçirdi

Gandhari Netflix’te: kızını arayan kör bir anne ve kimliğini gizleyen bir kasaba

Kathryn Newton’ın ‘Just One Day’ dizisi Amazon’dan Hulu’ya geçiyor — stüdyosunun işaret ettiği Disney evine

Joker: Scorsese’nin paltosunu giyip Altın Aslan’ı kazanan çizgi roman filmi

Charlize Theron Kalipso’ya karşı giyiniyor: «Odysseia» stili evrim değil, zırh

Şüphe Sarmalı Netflix’te: bir babanın komplo teorisi bir aile faciasına dönüşüyor